“Taxi driver”

Títol: “Taxi driver” (Taxista)
Director: Martin Scorsese
Guió: Paul Schrader
Actors principals: Robert De Niro, Jodie Foster, Cybill Shepherd, Harvey Keitel, Peter Boyle, Albert Brooks.
Any: 1976
Gènere: drama, thriller

Palma d’Or al Festival de Cinema de Canes

Sinopsi

Travis, ex-combatent de la Guerra del Vietnam i resident en un suburbi de Nova York, té problemes d’insomni i decideix fer-se taxista nocturn. Mentre condueix el seu taxi, és testimoni silenciós de totes les maldats existents a la gran ciutat: la violència, el racisme, la prostitució,… A mesura que passen els dies, Travis va enfurint fins que arriba a la paranoia i decideix passar a l’acció, responent a la violència amb violència.

Taxi Driver és una espècie de “western urbà” on Scorsese retrata la seva Nova York natal com un lúgubre lloc de perdició. La pel·lícula, a més, constitueix una crònica perfecta dels Estats Units després de l’aventura de Vietnam, així com una severa crítica a la violència i la corrupció resultants.
Pel·lícula emblemàtica del cinema urbà, és un retrat, des de l’interior d’un taxi, dels baixos fons de la ciutat de Nova York.

+ info: viquipèdia / filmaffinity

plastic bag

Este cortometraje del director estadounidense Ramin Bahrani cuenta el viaje existencial de una bolsa de plástico en busca de la mujer que lo llevó de la tienda a casa y finalmente la descartó. En el camino, se encuentra con criaturas extrañas, experiencias amorosas en el cielo, y trata de comprender su propósito en el mundo.

Al final, la bolsa de plástico acaba su travesía en el vórtice de basura del Pacífico, donde se asentará con los de su propia clase y poco a poco olvidará los recuerdos de su deslizamiento.

Más videos : http://futurestates.tv/

“Arquitectura milagrosa” de Llàtzer Moix

Presentació del llibre “Arquitectura milagrosa” de Llàtzer Moix.
COAC. Dilluns 19 d’abril de 2010, a les 19h.

La apertura del Museo Guggenheim diseñado por Frank Gehry obró milagros en Bilbao. Gracias a este prodigio de la arquitectura icónica, la ciudad voló de la grisura posindustrial a los brillos de la economía terciaria. Alcaldes y presidentes autonómicos de toda España vieron en el ejemplo bilbaíno la llave de su futuro. Un edificio espectacular con firma de postín –Calatrava, Hadid, Herzog & De Meuron, Foster, Eisenman…– les pareció garantía de visibilidad global, imán de turistas y estímulo para la economía local. Valencia, Zaragoza, Madrid, Barcelona o Santiago experimentaron este frenesí. Contrataron a los astros del firmamento arquitectónico internacional, descuidando la proporción entre la necesidad y el precio de las monumentales obras que les encargaron. Llàtzer Moix revisa estos años enfebrecidos y sus obras impresionantes pero, en ocasiones, insensatas. Lo hace mediante un reportaje, armado tras viajar a los escenarios de estos episodios y entrevistar a sus protagonistas, que lo confirma como una referencia en el ámbito del periodismo cultural.

“Professione: Reporter”

Títol: “Professione: Reporter” (El reporter)
Director: Michelangelo Antonioni
Guió: Mark Peploe, Peter Wollen, Michelangelo Antonioni
Actors principals: Jack Nicholson, Maria Schneider, Jenny Runacre, Ian Hendry
Any: 1975
Gènere: Drama

Sinopsi

Mentre David Locke, un reporter americà una mica a la deriva, es troba a l’Àfrica, descobreix el seu veí de cambra, un tal Robertson, estès sobre el seu llit i mort. Desitjant posar una mica d’emoció a la seva vida, decideix prendre la seva identitat i anar a les cites previstes del seu nou personatge. Però de seguida s’adona que ha agafat la identitat d’un espia al servei de terroristes.

El director abandona el seu “clàssic hàbitat narratiu” d’una urbs moderna i intricada (encara que hi ha presències d’una gaudiniana Barcelona i d’una Almeria gairebé de spaghetti-western existencialista) per mostrar-nos espais oberts però asfixiants, espais desèrtics plens de pols, abandó i solitud.

+ info: viquipèdia

“Solyaris”

Títol: “Solyaris” (Solaris)
Director: Andrei Tarkovski
Guió: Frederic Gorenstein i Andrei Tarkovski (basat en la novel·la homònima de Stanislaw Lem)
Actors principals: Natalya Bondarchuk, Donatas Banionis, Jüri Järvet, Anatoli Solonitsyn
Any: 1972
Gènere: Ciència ficció

Sinopsi

Entorn del planeta Solaris hi gira una estació espacial que estudia l’única forma de vida que s’hi troba: una estrany oceà que en recobreix tota la superfície i que, segons els científics, podria ser un gegantí cervell a l’escala del planeta.
Les últimes informacions que arriben de l’estació són estranyes i des de la Terra es decideix enviar-hi el científic Kris Kelvin per comprovar què hi succeeix.
La pel·lícula, més que una història de ciència ficció, és una reflexió de caràcter existencialista que intenta penetrar en les obscures profunditats de l’ànima humana.
De la interessant estètica general de la pel·lícula, ombrívola i minimalista, molt allunyada la pirotècnia d’efectes especials de “2001: una odissea de l’espai”, en destaquen la imatge interior de l’estació espacial i la seqüència filmada a les autopistes d’Akasaka, Tòquio.

+ info: viquipèdia / elcriticón

“How much does your building weigh, Mr. Foster?”

Título: “How much does your building weigh, Mr. Foster?”
Directores: Norberto López Amado, Carlos Carcas
Guión: Deyan Sudjic
Actores principales: Norman Foster
Año: 2010
Género: documental

Sinopsis

La película retrata el viaje de Norman Foster desde sus orígenes en Manchester hasta su proyección mundial. Habla de arquitectura, de su importancia y de la complejidad de llevarla a buen fin.

Norman Foster ha reescrito las reglas de la arquitectura y es responsable de algunas de las construcciones más espectaculares de nuestros tiempos.

La arquitectura cobra vida. Los proyectos de Foster son retratados en un estilo cinematográfico que busca plasmar la espectacularidad de su tamaño y escala en la gran pantalla.

Pero la película no es sólo para profesionales y amantes del diseño. “How much does your building weigh, Mr. Foster? se dirige a cualquiera que se haya emocionado alguna vez ante una obra de arte, o que haya comprendido que algunos edificios poseen cualidades especiales que otros no poseen. Está dirigido a todo aquel que se sienta atraído por la audacia de un puente, suspendido sobre el vacío, o por el espectáculo de un rascacielos capaz de definir la identidad de una ciudad.

Retrata la manera en que el mundo del arte ha influido sobre Foster y la forma en la que éste ha impregnado de arte sus diseños. Arte que, combinado con la arquitectura se convierte en una instancia superior que no es simplemente la suma de ambos. Celebra las cualidades especiales de algunas de las mejores estructuras de nuestros tiempos y analiza los motivos que las hicieron posibles. Documenta la manera en la que se gestan los grandes proyectos sin dejar de lado las decepciones, los rechazos o incluso los fracasos que provocan.

En este documental, más que nunca, la historia se cuenta a través de imágenes. Sus proyectos clave están filmados y planificados al detalle: la evolución de la luz del sol alrededor de la Torre Hearst, la emoción de surcar bajo la niebla las alturas del viaducto de Millau, cuya pilastra central es más alta que la torre Eiffel, o la restauración del Parlamento Alemán y cómo se ha convertido en el símbolo de la reunificación del país. El movimiento a través de dichos espacios nos muestra las características que los hace tan especiales.

También veremos una experiencia sostenible única en el mundo, la ciudad de Masdar en Abu Dhabi, un audaz experimento de sostenibilidad actualmente en construcción, que aspira a convertirse en la primera ciudad en el mundo con cero emisiones de carbono y que no genera residuos

El documental recoge de primera mano las palabras de personajes que han colaborado con Foster como Bono, Anish Kapoor, Richard Serra, Cai Guo Qiang, Richard Long o Anthony Caro entre otros, dando su aportación a cada uno de los proyectos descritos.

+ info: Art Comissioners / Foster+Partners

“Morte a Venezia”

Títol: “Morte a Venezia” / “Death in Venice” (Mort a Venècia)
Director: Luchino Visconti
Guió: Luchino Visconti i Nicola Badalucco (adaptat de la novel·la “La mort a Venècia” de Thomas Mann)
Actors principals: Dirk Bogarde, Romolo Valli, Mark Burns, Nora Ricci i Silvana Mangano.
Any: 1971
Gènere: drama

Sinopsi

A principis del segle 20, el compositor Gustav von Aschenbach, molt delicat de salut, se’n va a Venècia a reposar. En la decadent i inspiradora ciutat dels canals, s’enamorarà platònicament de Tadzio, un adolescent polonès d’ascendència noble i d’esglaiadora bellesa.

Va haver-hi un temps en què Venècia va ser el símbol de la ciutat ideal i, fins i tot, de la realització de la utopia. La seva especial i acollidora atmosfera, la llum que es reflexa a l’aigua i que fa brillar l’arquitectura, la qual adquireix una especial qualitat: tot plegat esdevé la imatge del somni. És més, aquesta ciutat, com si no tingués gravetat i fos immaterial, emergeix de l’aigua. Venècia és la urbs que, surant sobre les aigües, supera els límits que imposa la naturalesa, que dóna forma i expressa els ideals civilitzadors de la polis enfront del caos natural.

+ info: viquipèdia

“Trafic”

Director: Jacques Tati
Guió: Jacques Tati, Jacques Lagrange, Bert Haanstra
Actors principals: Jacques Tati, Maria Kimberley, Franco Ressel, Mario Zanuelli, Maria Kimberly
Any: 1971
Gènere: comèdia

Sinopsi

Al senyor Hulot, dissenyador a Altra, una petita empresa parisenca dedicada a la fabricació d’automòbils, se li encarrega de dur al saló de l’automòbil d’Àmsterdam un Renault 4 adaptat per fer càmping amb nombrosos artefactes de la seva invenció.
Però per assolir aquest objectiu haurà de superar diversos contratemps, problemes de trànsit, accidents i xocs múltiples.

Un cop més, Jacques Tati filma una divertida burla sobre la modernitat. En aquest cas, se centra en l’automòbil, gran mite de la societat occidental nascuda a la post-guerra, i la pel·lícula esdevé una al·legoria sobre l’ésser humà atrapat pels seus propis invents.

+ info: wikipedia

“The party”

Títol: “The party” (La festa)
Director: Blake Edwards
Guió: Blake Edwards, Tom Waldman, Frank Waldman
Actors principals: Peter Sellers, Claudine Longet, Marge Champion, J. Edward McKinley
Any: 1968
Gènere: comèdia

Sinopsi

Hrundi V. Bakshi és un maldestre actor d’origen indi que es troba a Hollywood rodant un remake de “Gunga Din”. Les seves contínues ficades de pota fan que sigui acomiadat del rodatge, però curiosament rep la invitació a la festa anual d’un estudi cinematogràfic. Hrundi no coneix ningú a la gramourosa festa, però n’acabarà sent el protagonista principal.

Amb una suau i plàcida ironia, la pel·lícula expressa un rebuig categòric al conformisme, la frivolitat, la beautiful people, el poder, allò in, la decència d’aparador, la celebritat oportunista i allò políticament correcte.
Des del punt de vista arquitectònic, també és interessant observar la casa on s’esdevé la festa: gran mansió luxosa de Hollywood i imatge del que als anys 60 els ignorants nous rics de la societat nord-americana entenen per modernitat. Aquesta manera d’ensenyar el modern disseny domèstic d’un Occident acomodat i confiat en el progrés té molta a veure amb “Mon oncle” i “Playtime” de Jacques Tati.

+ info: viquipèdia

“Koyaanisqatsi”

Película que nos muestra de una manera dramática el contraste entre el medio natural y construido por el hombre, y cómo este último ha llevado a que la Tierra pierda su equilibrio. La película muestra el paisaje urbano en distintas realidades, comercial, doméstica, vial, industrial, de entretenimiento, todas como una repetición infinita en competencia con el medio ambiente. Nada más que decir, sólo disfrutar de esta excelente obra cinematográfica que además cuenta con la composición de un maestro de la música incidental como es Philip Glass.

FICHA TÉCNICA

Título original: Koyaanisqatsi
Año: 1983
Duración: 87 min.
Origen: USA
Director: Godfrey Reggio
Guión: Ron Fricke, Michael Hoenig, Godfrey Reggio, Alton Walpole
Banda sonora: Philip Glass

SINOPSIS

Koyaanisqatsi es un viejo vocablo de los indios Hopi para expresar la idea de “vida fuera del equilibrio”. Se inspira en las profecías Hopi que “excavar las riquezas de la tierra es cortejar el desastre” que “al acercarse el día de la purificación se tejerán telas de araña de un extremo al otro del planeta” y finalmente que “podría ser que algún día sea arrojado del cielo un receptáculo de cenizas que queme la tierra y evapore los océanos”. Con estas tres ideas la película trama un escenario narrativo que se apoya en una técnica cinematográfica singular la de acelerar las imágenes hasta crear un verdadero efecto de vértigo al espectador. Aunque, quizás,  no será la Abuela Araña la que teja los hilos, sino el hombre moderno, que levantará sus torres, sus arañas de hierro, tendiendo cables entre torre y torre.

El viaje fílmico está lleno de grandiosidad. Parajes como el Gran Cañon del Colorado con sus inhóspitos y escarpados relieves se convierten en el vientre de la Madre Tierra, que como las vellosidades de nuestro estómago, permiten por su fondo diluir los líquidos vitales que vierte el cielo. Un cielo con interminables ejércitos de nubes que lo atraviesan sin detenerse a la velocidad de vértigo. Y sin embargo, uno tiene la sensación de volar sin más.

Pero el verdadero corazón de esta película lo constituyen las incesantes riadas humanas deambulando por las calles, con rostros perdidos en el infinito, subiendo escaleras mecánicas como si la tierra nos vomitara. Miradas esquizofrénicas entre basura y miseria, entre máquinas de guerra y aviones que parecen mezclarse con las inacabables profesiones de coches en autopistas anchos como campos de fútbol.  Edificios que desafían al cielo, donde sus cristales reflejan un cielo ajeno a sus moradores. Conteos de billetes por máquinas automáticas. Cadenas de montaje de máquinas de alimentos, todo circulando como si nunca nada se detuviera. Circuitos que se funden con la vista de pájaro de la trama urbana. Gente que camina
apresurada, personas esclavas en oficinas que no apagan nunca sus luces jamás, brazos robot y gente adicta a los videojuegos que sujetan a sus bebés en brazos, gente tomando el sol en la playa con el fondo de una central nuclear.

Estamos ante una película provocadora, arte en bruto que reclama nuestra atención, imágenes a las que la audiencia le entran de forma violenta como sacudidas por un terremoto, aunque también nos aporta relajo, espacios para respirar y de esta forma podamos simplemente gritar: ¡basta!. Pero para entonces, todo nuestro mundo se dinamita y bloques de viviendas enteras se vienen abajo como si de la coreografía de un ballet clásico se tratara para finalmente alcanzar la clímax con la conquista del espacio exterior. Una metáfora bestial para advertir que de nada nos sirve salir al exterior pues nuestra mirada sigue en tierra, rodeada de desequilibrio y con una naturaleza que todavía nos ama aunque nosotros la despreciemos.
TRAILER

“2001: A Space Odyssey”

Títol: “2001: A Space Odyssey” (2001, una odissea de l’espai)
Director: Stanley Kubrik
Guió: Stanley Kubrick i Arthur C. Clarke (basat en la novel·la “El sentinella” d’Arthur C. Clarke)
Actors principals: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Leonard Rossiter, MargaretTyzack
Any: 1968
Gènere: ciència ficció

Sinopsi

Als inicis de la humanitat, uns homínids troben un estrany monòlit, el qual té la facultat de dotar d’intel·ligència a qui s’hi acosti. Milers d’anys després, la humanitat té transbordadors a l’espai i l’estray objecte és trobat de nou a la Lluna, des d’on emet un senyal. La nau “Discovery 1“, la seua tripulació i la computadora “Hal 9000” hauran d’arribar al planeta al qual s’adreça el senyal, Júpiter. Però la computadora té unes instruccions que la resta de l’expedició desconeix.

Aquesta pel·lícula és considerada una de les pel·lícules de ciència ficció més respectuoses amb les lleis de la Física mai rodades. Escenes com la de l’acoblament de la llançadora amb l’estació espacial, l’absència de so a l’espai i altres detalls cuidats com el disseny de la nau Discovery van marcar una fita en el gènere.
També cal destacar-ne l’ús del so en lloc de tècniques narratives tradicionals i un ús mínim del diàleg.
Un altre dels principals reptes del film consistia en imaginar un futur que no es veiés obsolet amb el pas del temps, ja que la pròpia carrera espacial es desenvolupava a un ritme que amenaçava amb deixar enrere la pel·lícula. El treball de l’equip de disseny, format per Tony Masters, Ernest Archer i Harry Lange, és excel·lent en el mobiliari i el vestuari del futur, que poden veure’s com plausibles encara avui en dia; però una mica més fluix, lògicament, en l’aspecte tecnològic: ordinadors, pantalles de video i, sobretot, els vestits espacial dels astronautes.

+ info: wikipedia

a+t HYBRIDS III. “Híbridos residenciales”

a+t ha publicado el tercer numero de su Serie Hibrids, Hibridos Residenciales”. Esta nueva serie de la gran editorial española centra su investigación en esta tipologia de edificios capaces de albergar programas dispares, de promover la interacción de usos urbanos distintos y combinar las actividades privadas con la esfera pública.

En la búsqueda de modelos capaces de economizar recursos, los Edificios Híbridos y sobre todo aquellos con uso residencial, son especímenes de oportunidad que incluyen en su código el gen de la mixicidad, imprescindible para adaptarse al signo de los tiempos. Sin embargo, esta condición mixta les hace equívocamente parecidos a otro modelo surgido de las vanguardias, que a primera vista puede considerarse como su precursor, cuando es todo lo contrario. Se trata del Condensador Social.

La peculiaridad programática de estos prototipos –capaces de alojar a más de 1.000 habitantes–, se despliega en planta y sección con la variedad de una pequeña ciudad. Pueden encontrarse las mismas funciones que en un híbrido, sobre todo en las Unités y sus descendientes, en las que se insertan comercios e incluso oficinas en la denominada calle interior. Sin embargo la diferencia estriba en que todas las funciones están pensadas, no para crear intensidad y vitalidad en la ciudad, no para atraer flujos de usuarios externos, ni tampoco para favorecer la mezcla ni la indeterminación, sino para conseguir un edificio autosuficiente y “completo” que pueda aislarse de la ciudad convencional.

Es decir, que la presencia en planta y sección de varias funciones subordinadas no otorga categoría de híbrido a un edificio de vivienda. De la misma manera que un equipamiento que incluya un variado programa de uso público no sería un híbrido, sino una versión moderna del condensador social, en su modalidad club. La hibridación no es sólo de programa, sino también de iniciativa, de inversión y de gestión.

En los últimos años, el balance de modelos a seguir parecía favorecer al híbrido. Después del repunte teórico de los ochenta, del que han quedado ejemplos en la obra de Steven Holl y de Ábalos & Herreros, entre otros autores, reapareció a principios del siglo XXI, de nuevo como el salvador de las ciudades americanas, a través de proyectos como el Museum Plaza. Desprovisto de carga ideológica y dotado de una gran versatilidad, el híbrido está encontrando también su lugar en Europa, por no hablar de Asia, donde la mezcla de usos ha sido consustancial al desarrollo de sus ciudades.

“Playtime”

Director: Jacques Tati
Guió: Jacques Tati, Jacques Lagrange, Art Buchwald
Actors principals: Jacques Tati, Barbara Dennek
Any: 1967
Gènere: comèdia

Gran premi de l’Acadèmia del Cinema francès, 1968

Sinopsi

París, anys 70: la ciutat es mostra freda i grisa, plena d’edificis impersonals d’acer i vidre . Hulot hi viatja per assistir a una cita important, però el que més el sorprèn és aquest món modern, gairebé “futurista”, l’arquitectura del qual el deixa fascinat.
La pel·lícula està dividida en 6 llargues escenes, cada una de les quals ironitza, des d’un punt de vista diferent, sobre la modernitat basada en la tècnica imperfecta i la seriació uniformitzadora.

Jacques Tati va construir uns enormes estudis a l’aire lliure. Una autèntica ciutat en la qual es van utilitzar 50.000 m3 de formigó, 4000 m3 de plàstic, 3200 m2 d’estructures de fusta i 1200 m2 de vidre. Els edificis, muntats en rails pel seu desplaçament, disposaven de calefacció central i dues centrals elèctriques permetien, gràcies als potents focus, mantenir sol artificial i permanent.

Considerat per molta gent com l’obra mestra del cineasta i, fins i tot, per alguns (David Lynch, per exemple) com una de les millors pel·lícules de la història.

+ info: wikipedia